In occasione del Premio speciale della giuria di Venezia 79 vinto dal film No Bears di Jafar Panahi, ripropongo una analisi da me scritta nel 2018 di Tre volti, il precedente film del regista.

Un’analisi sentimentale (scritta nel pieno della commozione) del film “A Ghost Story” di David Lowery. Amore, fantasmi, ricordi, cambiamenti ineluttabili sono i protagonisti sfuggenti e misteriosi di questo film poetico.

Il film “Fata Morgana” di Werner Herzog è una delle opere più surreali e stranianti del regista bavarese. Sulle note di Bach, Mozart ed Hendel, il mondo si trasforma grazie al cinema, e il cinema diventa un’illusione necessaria per creare nuove immagini.

L’arte visuale muta in base alle trasformazioni storiche, culturali e tecnologiche che l’accompagnano. Nel presente articolo una breve e caotica storia dei principali avvenimenti dell’arte visuale.

Qual è la realtà della fotografia e del cinema? Attraverso una brevissima storia della nascita della fotografia e servendomi delle idee di diversi pensatori, cerco di ragionare su cosa sia la realtà quando parliamo di fotografia e cinema.

Non più cinema horror questa volta, ma cinema documentario. Perché questa tipologia di cinema? Perché il documentario pure, troppo spesso, si muove nelle zone d’ombra dell’industria cinematografica. Perché il documentario è capace di dirci qualcosa sul cinema che la finzione a volte fa fatica a comunicare. Perché il documentario è capace di attraversare sentieri d’ombra della storia e della società in maniera originale e coraggiosa.

Come si presentava il cinema italiano all’inizio del Novecento? Facciamo qualche brevissimo accenno storico, concentrandoci sul famoso “Cabiria” di Giovanni Pastrone

“Chiamami col tuo nome” rappresenta per il regista palermitano una svolta artistica e commerciale. Con questo film firma un’opera delicata e sfuggente sui temi dell’omosessualità e dell’erotismo.

“Marketa Lazarová” di František Vláčil è uno dei film più complessi e affascinanti mai usciti nell’allora Cecoslovacchia. È figlio della Nová vlna, movimento culturale che rivoluzionò il linguaggio del cinema cecoslovacco, come aveva già fatto il neorealismo in Italia.

Sin dal principio “2046” (2004) di Wong Kar-wai ci trascina in un viaggio tra una realtà dai connotati onirici e un mondo alternativo, futuristico e sfocato, quasi indecifrabile. Un mondo simile alla Hong Kong dei tardi anni sessanta e a cui Kar-wai conferisce un tratto volutamente vago e accennato, definendola attraverso dei paesaggi dati dai volti dei protagonisti, avvolti nel fumo e nelle luci al neon che si stagliano nella notte cupa del delta del Fiume delle Perle.

Il cinema è capace di carpire l’anima di una città? Molti registi ci hanno provato, tra cui Robert Siodmak e Edgar G. Ulmer, che negli anni ’30 raccontano la città di Berlino in un film in bilico tra finzione e documentario, che si serviva di attori non professionisti e che poneva interessanti riflessioni sul mezzo cinematografico

In questo articolo parlo del rapporto tra cinema e metropoli servendomi del pensiero di studiosi quali Francesco Casetti, Siegfried Kracauer e Georg Simmel.
La nascita della metropoli è connessa allo sviluppo e al successo del cinema.
La metropoli è uno spazio dove convivono individualità e collettività, spettacolo e mercificazione, e il cinema è l’arte per eccellenza deputata a registrare la complessità di questi fenomeni.

L’artista e teorico Béla Balázs riteneva che il cinema rivelasse finalmente in tutta la loro potenza espressiva “destini umani, caratteri, sentimenti e stati d’animo d’ogni sorta”.
Carl Theodor Dreyer e Federico Fellini sono due registi che hanno utilizzato al massimo le possibilità cinematografiche per esaltare la natura umana e le sue contraddizioni.

Il cinema più di altre arti è capace di registrare il dinamismo della metropoli, cogliendone la velocità, l’eterogeneità e le contraddizioni.
Molti i film che hanno trattato la solitudine dell’uomo nell’ambiente urbano; tra questi c’è “Hong Kong Express” di Wong Kar-wai

Chaplin era solito conferire alle proprie storie uno stile patetico e romanzesco, incline al sentimentalismo, funzionale a una certa critica sociale che prendeva di mira il potere costituito e simpatizzava invece per gli umili.
Keaton invece si interessava molto alle potenzialità della macchina da presa, del montaggio, alle specificità spazio-temporali del mezzo cinematografico.

Vi è mai capitato di guardare un film e di rimanere inspiegabilmente colpiti da un particolare di poca importanza? Ci sono certe scene nella storia del cinema che i più guardano con indifferenza, ma che per noi assumono un valore straordinario. In questo articolo parlo delle mie ossessioni per i dettagli di tre film a me molto cari; tre dettagli che mi hanno comunicato la bellezza sfuggente e misteriosa del cinema.